ジャズとは何か？歴史、主なスタイルガイド、演奏の始め方

Miles Davisの*Kind of Blue*——1959年8月17日リリース——の任意のトラックを再生してみよう。数小節のうちに、言葉では表しにくい何かに気づくはずだ。リズムには独特の揺れがあり、コードは讃美歌やポップスより豊かで、誰かが目の前でメロディを即興で作り上げている。その組み合わせ——スウィング・フィール、7thコード、ブルースに根ざしたライブ・インプロビゼーション——それがジャズだ。このガイドでは、音楽の起源、主なスタイルの違い、そして演奏を始めるために最初に何を練習すべきかを解説する。

音楽を「ジャズ」にするもの

ブリタニカ百科事典はジャズを「ブルースとラグタイムをヨーロッパの和声・形式的構造と組み合わせた音楽」と定義し、「インプロビゼーションがその最も際立った特徴」と付け加えている。演奏者にとって実用的な定義は、すべてのジャズが共有する4つの要素に集約される。

すべてのジャズが共有する4つの要素。どれか一つを取り除くと、音楽は別物になる。

スウィング・フィール。 記譜された8分音符はロング—ショートで演奏される：各ペアの最初の音符は傾いて長く伸び、2番目は遅れてはね込む。Swing Eighthsはこれを「各拍を3等分：ロング(2)＋ショート(1)」と説明している。ワークシートはさらに、2:1の比率は出発点であり法則ではないと記している——実際の演奏者はスローテンポではより強くスウィングし、非常に速いテンポではほぼイーブンになる。

同じ音符の2つの表し方。第1小節が読むもの；第2小節が演奏するもの。短い音符を正確に配置するために「1 a 2 a」（「1 and」ではなく）と数える。

インプロビゼーション。 ソロイストはコード進行——「チェンジ」——の上でその場でメロディを即興する。多くの場合、trading fours（各4小節ずつ交代）という構造で交互に演奏する。誰もメロディを事前に書かないため、すべてのジャズ演奏が異なるものになる。

7thコード。 ジャズのほぼすべてのコードは最上部に7thを持つ：短7th（Dm7）、属7th（G7）、または長7th（Cmaj7）。この追加の音符がコードを普通のトライアドより豊かでカラフルにする——これがジャズ・サウンドの一部だ。属7th、長7th、短7thはそれぞれ固有の性格を持つ。

ブルースのルーツ。 ジャズはブルースから生まれた。12小節ブルース・フォーム、ブルー・ノート（♭3、♯4、♭7）、コール・アンド・レスポンスと呼ばれる問答の習慣は、最初の録音から今日に至るまでジャズに存在している。

簡単な歴史：8つの時代

ジャズはほぼどんな他の大衆音楽よりも変化を遂げてきた。各時代は上記の4つの要素を保ちながら何か新しいものを加えた。

8つの時代、それぞれテンポ、ハーモニー、または楽器編成の変化にちなんで命名されている。これらはすべて今日でも演奏されている。

ニューオーリンズとディキシーランド（約1895–1920年代）。 アフリカ系アメリカ人、クレオール、カリブ海、ヨーロッパの音楽的伝統がニューオーリンズで出会った。コルネット、クラリネット、トロンボーンが異なる即興ラインを同時に演奏した——ポリフォニーと呼ばれる技法だ。Buddy Boldenは約1895年に最初のジャズ・バンドを率いたとしばしば言われるが、彼の録音は残っていない。「jazz」という言葉は1913年、サンフランシスコの新聞に印刷物として最初に登場した。

スウィングとビッグ・バンド（1920年代–1940年代）。 ニューオーリンズのミュージシャンたちは、一部は1917年のストーリービル歓楽街閉鎖を受けて、北のシカゴやニューヨークへ移った。音楽は大規模なアンサンブルへと成長した。1927年からのDuke Ellingtonのコットン・クラブ出演は、ラジオ放送を通じてジャズを全国的なサウンドにした。Louis Armstrongのホット・ファイブとホット・セブンの録音（1925–28）は即興ソロイストを中心的存在として確立した。1930年代にはBenny Goodmanがカーネギーホールで数千人の前で演奏し（1938年1月16日）、スウィングはアメリカのポピュラー音楽となった。

ビバップ（約1945）。 少人数のミュージシャン——アルト・サックス奏者のCharlie Parkerとトランペット奏者のDizzy Gillespieが主導——が意図的にジャズを速く、和声的に複雑にし、踊りにくくした。Gary GiddinsとScott DeVeauxは、ビバップのテンポが「ダンサーを遠ざけるために意図的に速かった」と記している。Charlie Parkerの「Now's the Time」（1945年11月26日、Savoy Recordsのために録音）は、当初ほとんどのリズム・セクション奏者がついていけなかったテンポの標準的なビバップ・ブルースだ。ビバップはii–V–I進行がジャズ・ハーモニーの基盤となった場所だ。

クール・ジャズとハード・バップ（1950年代）。 ビバップは2つの方向に分裂した。クール・ジャズ——Miles Davisの「Birth of the Cool」セッション（1949–50）によって告知された——はリラックスしており、軽くオーケストラ化され、和声的に柔らかかった。ハード・バップ（1954年からのArt Blakey and the Jazz Messengers、Clifford BrownとMax Roach）は逆の方向に行った：よりブルーシー、より大音量、ゴスペルに根ざしていた。GiddinsとDeVeauxはハード・バップを「クールの知的アプローチへのよりブルーシーでゴスペル的な応答」と表現している。

モーダル・ジャズ（約1959）。 Davisは新しいセクステットを集めて*Kind of Blue*（1959）を録音した。Columbia Recordsによれば、これは史上最も売れたジャズ・アルバムとなった。Davisが自伝で説明したアイデアは、速いコード・チェンジではなくスケール（モード）でインプロビゼーションを行うことだった：「スケールを弾きたかったんだ。」バンドは2拍ごとに新しいコードを渡る代わりに、12小節間単一のドリアン・モード上にとどまることができた。モードワークシートはドリアンとマイナー、ミクソリディアンとメジャーの関係を示している。

「スケールを弾きたかったんだ。」——Miles Davis、*Kind of Blue*のコンセプトについて

フリー・ジャズ（1960年代）。 Ornette Colemanのアルバム*Free Jazz*（1960、Atlantic）は固定されたコード・チェンジを完全に放棄した運動に名前を与えた。一定のパルスを保ったプレイヤーもいれば、それも手放したプレイヤーもいた。フリー・ジャズはアヴァン・ギャルドに影響を与え、今も活動している恒久的な音楽の一翼を残した。

フュージョン（1970年代）。 エレクトリック・ギター、エレクトリック・ベース、フェンダー・ローズ・ピアノ、ロックとファンクのビートがジャズに入り込んだ。Weather Report（1970–86）とMahavishnu Orchestra（1971–76）が標準的なバンドだ。音楽は非常に大音量、非常に複雑、またはその両方になり得た。

コンテンポラリー・ジャズ（現在）。 Kamasi Washington、Esperanza Spalding、Snarky Puppyなど数十組が上記すべてを取り入れ、ヒップホップ、ゴスペル、西アフリカ、ラテンの影響を加えている。共通の糸はやはり4つの要素：スウィング、インプロビゼーション、7thコード、ブルースだ。

コアのハーモニー：ii–V–I

ビバップがジャズに他の何よりも与えたものがあるとすれば、それはii–V–Iだ。Open Music Theoryはこれを「ジャズで最も一般的なコード進行」と呼んでいる。Cメジャーでは、Dm7–G7–Cmaj7：ホームから離れて（ii）、テンション（V）、ホーム（I）。3つのコード、すべて7th、ルートは毎回5度下がる。

Cのii–V–I。ルートはD→G→Cと動き、各ステップで5度下がる。同じパターンがすべてのキーで機能する。

大譜表上で最も一般的なボイシングはこうなる：

CのDm7–G7–Cmaj7。ト音記号はコード・トーンを保持し；低音部はルートを単独で弾く。FがDm7とG7の両方に現れていることに注目——Dm7の3rdで、G7の7thとして留まる。

ゆっくり演奏しよう。ii–V–I全キーワークシートは12のキーすべてにわたる完全な進行を示し、ガイド・トーンとボイス・リーディングを丁寧に記している。7thコードの性質エクササイズはm7、7、maj7の違いを一目で聴き分けるよう訓練する。

この進行がなぜそれほど重要か。 G7はトライトーン——BとF、6半音離れた——を含み、このインターバルは不安定だ。Bは半音上がってCになりたい；FはEに半音下がりたい。両声部が解決すると、Cmaj7の3rdと7thに完璧に着地する。属7thワークシートはこのトライトーンを「コードのエンジン」と呼んでいる。

ブルース・スケール：最初のインプロビゼーション・ツール

ビバップのメロディに取り組む前に、ブルース・スケールから始めよう。6つの音符しかない（上のオクターブを数えれば7つ）し、それらすべてがジャズ・ブルースの上で良く響く。

Cブルース・スケール：1 ♭3 4 ♯4 5 ♭7 1。♭3（E♭）、♯4（F♯）、♭7（B♭）はブルー・ノート——特有のブルース・テンションを生み出す。

ペンタトニック＆ブルース・スケールズ・ワークシートはこれら3つの追加音を「意図的に『間違った』音符でブルースをブルースにするもの」と説明している。C7コードの上で♭3を弾くとその理由が分かる：E♭はコードのE♮とぶつかり、そのぶつかりがあの音だ。♯4（F♯）は経過音——素早くGにスライドする。左手で12小節ブルースをループさせ、右手で上からCブルース・スケールを探索すれば、すでにインプロビゼーションを行っていることになる。

スウィング・エイツとシンコペーション

スウィング・フィールとシンコペーションは関連しているが異なる。スウィングは短い音符が*いつ*落ちるか（遅れて、拍の最後の3分の1に）についてだ。シンコペーションはメインの拍の間に到着する音符を*アクセント*することについてで、「a」に着地して次の拍をまたいで保たれる。

第1小節のAは2の「a」に到着して拍3をまたいでタイ——シンコペートされたプッシュ。「1 2 a 3 4」と数えて、アクセントがフット・タップの間に落ちる感覚をつかもう。

ジャズのメロディは両方を同時に使う：8分音符はロング—ショートにスウィングし、特定の音符が早く（「a」に）到着して続く。この組み合わせがジャズのフレージングに特有のプッシュ・アンド・プルを与える。Syncopationはこのコンセプトを教え、Ear Training: Swing or Straight?は違いをすぐに聴き分けるよう耳を鍛える。

シェル・ボイシング：コードを鳴らすための最小限

ジャズとポップのピアニストは左手で7thコードのすべての音符を弾くことはほとんどない。彼らはシェルを弾く：ルートに3rdと7th（ガイド・トーン）を加え、5thを省く。低音域で明確に聞こえ、右手をメロディのために開放する2〜3つの音符だ。

ii–V–Iのシェル・ボイシング。各シェル・ボイシングでコードの7thが最上部に座る——C、F、そしてB——3rdと7th（ガイド・トーン）が入れ替わる。このガイド・トーンの動きがジャズ・コンピングを繋がって聞こえさせるものだ。

Shell Voicingsワークシートは5thが省かれる理由（「maj7、7、m7どれも完全5thであり、色を加えない」）を説明し、CとFにおける両方のシェル・パターン——ルート＋3rdとルート＋7th——を示している。下を見ずにシェルでii–V–Iをループできるようになったら、右手でメロディを加え、全体をリード・シートとして読もう。

ウォーキング・ベース：1拍に1音

ウォーキング・ベース・ラインは4分音符で動く——1拍に1音——主にそのとき演奏されているコードのコード・トーン上で。ドラム・セットなしに音楽に前進する推進力を与える。

コード・トーンを使った4小節のウォーキング・ベース・ライン：毎拍にルート、3rd、5th、7th。第4小節拍4のAはアプローチ・ノート——ブルースで次のコードのB♭の半音下。

各小節は次の小節に最もスムーズにつながる順序で、コードのルート、3rd、5th、7thを使う。第4小節がAで終わることに注目：ブルースではB♭の一歩下、またはCmaj7のBの一歩下だ。拍4のこのクロマティック・アプローチ・ノートが最もよく使われるウォーキング・ベースのコツだ。まず12小節ブルースの上でウォーキング・ベースを練習しよう——コード3つ、12小節、テクニックがはまる感覚が分かる。

コンピング：ピアニストとギタリストがどう伴奏するか

コンピング（アカンパニーの略）はソロイストのじゃまをせずにサポートする、リズム的で会話的な方法でコードを弾くことを意味する。ジャズの基本的なコンピング・リズムはコード・ヒットを拍2と「4のand」に配置する。

コンピング・リズム：拍1に休符、拍2にコード、4の「and」にコード（第2小節にタイ）。4の「and」のコードはクラシックなジャズの先取り——8分音符早く到着する。

8分音符をスウィングさせる。4の「and」のコードは小節線をまたいで次の小節の拍1にタイされる——早く到着することがジャズ・コンピングに前傾の勢いを与える。左手はシェル・ボイシング（ルート＋7th）を弾き、右手はこれらのリズムを弾く；一緒にソロイストを圧迫せずにロックする。

ii–V–Iの上のジャズ・メロディ

以下は主にコード・トーンを使ってii–V–Iの各コードを描く、オリジナルの3小節フレーズだ。

各小節はコード自身の音符を使う：Dm7（D、F、C、A）、G7（B、D、F、E）、Cmaj7（C、G）。第2小節の休符は呼吸空間を残す——ジャズのフレージングは呼吸する。

第2小節の休符はミスではない：フレーズの一部だ。ジャズのプレイヤーはギャップを残す。左手にii–V–Iコードを置いてこのフレーズをゆっくり練習しよう；次に同じコード・トーンを異なる順序で使って自分のフレーズを作ってみよう。ペンタトニックでインプロビゼーション・ワークシートは4ステップのレシピを提供する：「リズムを選ぶ、異なる音符で繰り返す、いくつかのスペースを残す、ホーム・ノートで終わる。」

主なスタイル：クイック比較

各時代には独自のテンポ・レンジ、ハーモニック・アプローチ、編成があった。6つの最も重要なスタイルを並べて見てみよう。

6つのスタイルすべてがスウィング・フィール、インプロビゼーション、7thコード、ブルースのルーツを使う。変わるのは速さ、複雑さ、楽器だ。

違いを聴く最も簡単な方法：3つの録音を続けて再生する——Louis Armstrongの「West End Blues」（1928）、Charlie Parkerの「Ko-Ko」（1945）、Miles Davisの「So What」（*Kind of Blue*収録、1959）。Armstrongのビートは柔軟で、Parkerのは燃えるように速く密で、Davisのは広大でゆったりしている。同じ4つの要素、3つのまったく異なる感覚。

ジャズを演奏し始める方法

最も直接的な道はまず和声を勉強することではない——聴くこと、次にブルースを弾くこと、次に1つのスタンダードを学ぶことだ。

6ステップを順に。ステップ1–3は最初の1週間で起こりうる；ステップ4–6は数ヶ月かけて展開する。

ステップ1：聴く。 ゆとりある入り口としてMiles Davisの*Kind of Blue*（1959）から始め、ビバップのエネルギーのためにCharlie Parkerの「Now's the Time」（1945）を聴こう。スウィング・フィールがいつ着地するか、ソロイストがいつスペースを残すか、バンドがいつ一緒に呼吸するかに耳を傾ける。

ステップ2：スウィング・エイツを学ぶ。 知っているメロディ——民謡、賛美歌、何でも——を取り、8分音符の各ペアをロング—ショートにスウィングさせよう。楽譜通りとスウィングの両方で弾けば、体が違いを覚える。Swing Eighthsには両方の方法で練習できるリフがあり、耳を確認するための耳トレーニングの続き（Ear Training: Swing or Straight?）がある。

ステップ3：ブルースを弾く。 12小節ブルースはジャズのホーム・ベースだ。Fでは、F7（4小節）、B♭7（2小節）、F7（2小節）、C7（1小節）、B♭7（1小節）、F7からC7（2小節）となる。12小節ブルース・ワークシートに完全なコード・マップがある；ペンタトニック＆ブルース・スケールズはFブルース・スケール（F A♭ B♭ B C E♭ F）をインプロビゼーションのために提供する。

ステップ4：ii–V–Iをマスターする。 チェンジが考えずに起きるまでDm7–G7–Cmaj7をループしよう。次にF（Gm7–C7–Fmaj7）とG（Am7–D7–Gmaj7）に移調する。ii–V–Iワークシートは12のキーすべてを示している。Shell Voicingsワークシートは各コードを左手に自然に収まる2〜3音に減らす。

ステップ5：スタンダードを学ぶ。 1曲選ぼう——「Autumn Leaves」や「Blue Bossa」は初心者に優しい——まず耳でメロディを学ぼう。次にコード・シンボルをリード・シートとして加える。左手が拍1にルートを弾き、右手がメロディを弾く。それが楽になったら、左手をシェル・ボイシングに置き換える。

ステップ6：バンドを見つける。 ジャズは会話だ。他の人と早く演奏するほど——たった一人のドラマーやホーン奏者でも——ジャズのプレイヤーをジャズっぽい音符を暗記した人から分かつ聴く能力をより速く発達させる。

このレッスンの無料ワークシート

• Swing Eighths — スウィング記号、カウントの仕方、いつ使うか。
• Ear Training: Swing or Straight? — スウィングかストレートな8分音符かを聴いて識別する。
• 属7th — G7はメジャー・トライアドに短7thを加えて構築；その内部のトライトーン。
• 長7th — Cmaj7：夢幻的で未解決、ジャズの「I」コード。
• 短7th — Dm7：「ii」コード；穏やかで伸びやか。
• 7thコードを命名する — maj7、7、m7、ø7、°7を一目で練習する。
• ii–V–I全キー — ガイド・トーン付き全12キーのDm7–G7–Cmaj7。
• Shell Voicings — ルートに3rdと7th；すべての7thコードの左手の短縮形。
• リード・シートの読み方 — メロディとコード・シンボル；音楽に変える3ステップ。
• 12小節ブルース — 12小節、3コード、ジャズとブルースの骨格。
• ペンタトニック＆ブルース・スケールズ — ブルース・スケールとそのブルー・ノート。
• ペンタトニックでインプロビゼーション — 最初のソロのための4ステップのレシピ。
• Syncopation — 拍の間に落ちるオフビートのアクセントとタイ。
• モード — ドリアン、ミクソリディアン、モーダル・ジャズとの繋がり。

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今日から会話に加わろう

ジャズは今日から練習できる4つのことの上に成り立っている：スウィング・フィール、7thコード、ブルース・スケール、ii–V–I進行。歴史は長く豊かだ——約1895年のBuddy Boldenのニューオーリンズのコルネットから今日のKamasi Washingtonのマラソン・サックス・セットまで——しかしすべてのプレイヤーは同じ4つのツールから始め、ゆっくりと自分のものにしていった。

Tissimoのピアノ講師がライブ・オンライン・レッスンで聴いて、スウィング・フィールが拍の正しい3分の1に着地しているか、ii–V–Iのボイシングがメロディの後ろでコンピングするのに十分スムーズかどうかを教えてくれる。

参考文献

• Ted Gioia, The History of Jazz (Oxford University Press, 第3版, 2021)
• Gary Giddins and Scott DeVeaux, Jazz (W. W. Norton, 2009)
• "jazz" — Encyclopaedia Britannica（アーカイブ）
• Miles Davis and Quincy Troupe, Miles: The Autobiography (Simon & Schuster, 1989)
• Open Music Theory — Viva Open Publishing（アーカイブ）
• Alexander Stewart, "'Funky Drummer': New Orleans, James Brown and the rhythmic transformation of American popular music" — Popular Music 19/3 (2000)