¿Qué es el jazz? Historia, guía de los principales estilos y cómo empezar a tocarlo

Pon cualquier grabación de Kind of Blue de Miles Davis — publicado el 17 de agosto de 1959 — y en pocos compases notarás algo difícil de describir con palabras. El ritmo tiene un balanceo especial, los acordes son más ricos que los de un himno o una canción pop, y alguien está inventando una melodía delante de ti en ese instante. Esa combinación — swing, acordes de séptima e improvisación en vivo enraizada en el blues — es lo que es el jazz. Esta guía te cuenta de dónde viene la música, en qué se diferencian los principales estilos y qué practicar primero si quieres tocarlo.

Qué hace que una música sea "jazz"

La Encyclopaedia Britannica define el jazz como una música que "combina blues y ragtime con estructuras armónicas y formales europeas" y añade que "la improvisación es su rasgo más distintivo". Para los músicos, la definición práctica se reduce a cuatro ingredientes que todo el jazz comparte.

Los cuatro ingredientes que todo el jazz comparte. Elimina cualquiera y la música se convierte en otra cosa.

Swing. Las corcheas escritas se tocan larga–corta: la primera nota de cada par se apoya y se prolonga, la segunda llega tarde de un salto. Swing Eighths lo describe así: "cada tiempo se divide en tres: larga (2) + corta (1)." La ficha también indica que la proporción 2:1 es un punto de partida, no una ley: los intérpretes reales swingean más fuerte a tempos lentos y casi parejo a tempos muy rápidos.

Las mismas notas, de dos maneras. El compás 1 es lo que lees; el compás 2 es lo que tocas. Cuenta "1 a 2 a" (no "1 y") para colocar correctamente la nota corta.

Improvisación. Los solistas inventan melodías en el momento sobre una progresión de acordes — los "cambios" — turnándose a menudo en una estructura llamada trading fours (cuatro compases cada uno). Nadie escribe la melodía de antemano, lo que hace que cada actuación de jazz sea diferente.

Acordes de séptima. Casi todos los acordes del jazz llevan una séptima encima: la séptima menor (Dm7), la séptima de dominante (G7) o la séptima mayor (Cmaj7). Esa nota extra hace los acordes más ricos y coloridos que las tríadas simples: es parte del sonido del jazz. La séptima de dominante, la séptima mayor y la séptima menor tienen cada una su propio carácter.

Raíces en el blues. El jazz surgió del blues. La forma de blues de 12 compases, las blue notes (♭3, ♯4 y ♭7) y el hábito de pregunta y respuesta llamado call and response están presentes en el jazz desde sus primeras grabaciones hasta hoy.

Una breve historia: ocho épocas

El jazz ha cambiado más que casi cualquier otra música popular, y cada época añadió algo nuevo conservando los cuatro ingredientes anteriores.

Ocho épocas, cada una nombrada por un cambio de tempo, armonía o instrumentación. Todas ellas se siguen tocando hoy.

Nueva Orleans y Dixieland (h. 1895–años 20). Las tradiciones musicales afroamericanas, criollas, caribeñas y europeas se encontraron en Nueva Orleans. El corneta, el clarinete y el trombón tocaban simultáneamente diferentes líneas improvisadas: una técnica llamada polifonía. A Buddy Bolden se le suele atribuir la dirección de la primera banda de jazz, hacia 1895, aunque no se conservan grabaciones de él. La palabra "jazz" aparece impresa ya en 1913, en un periódico de San Francisco.

Swing y big band (años 20–40). Los músicos de Nueva Orleans se trasladaron al norte, a Chicago y Nueva York, en parte tras el cierre del barrio de entretenimiento de Storyville en 1917. La música creció en grandes conjuntos. La residencia de Duke Ellington en el Cotton Club desde 1927 convirtió el jazz en un sonido de alcance nacional a través de las transmisiones de radio. Las grabaciones de Hot Five y Hot Seven de Louis Armstrong (1925–28) establecieron al solista improvisador como figura central. En los años 30, Benny Goodman tocaba ante miles de personas en Carnegie Hall (16 de enero de 1938), y el swing se había convertido en la música popular americana.

Bebop (h. 1945). Un pequeño grupo de músicos — encabezados por el saxofonista alto Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie — deliberadamente hicieron el jazz rápido, armónicamente complejo y difícil de bailar. Gary Giddins y Scott DeVeaux señalan que los tempos del bebop eran "deliberadamente rápidos para disuadir a los bailarines." "Now's the Time" de Charlie Parker (grabada el 26 de noviembre de 1945 para Savoy Records) es un blues de bebop canónico a un tempo que pocos músicos de sección rítmica podían seguir al principio. El bebop es donde la progresión ii–V–I se convirtió en el fundamento de la armonía jazz.

Cool jazz y hard bop (años 50). El bebop se dividió en dos direcciones. El cool jazz — anunciado por las sesiones "Birth of the Cool" de Miles Davis (1949–50) — era relajado, ligeramente orquestado y armónicamente suave. El hard bop (Art Blakey and the Jazz Messengers desde 1954, Clifford Brown y Max Roach) fue en sentido contrario: más bluesy, más fuerte y enraizado en el gospel. Giddins y DeVeaux describen el hard bop como "una respuesta más bluesy y gospelera al enfoque cerebral del cool."

Jazz modal (h. 1959). Davis reunió un nuevo sexteto y grabó Kind of Blue (1959), que se convirtió en el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos, según Columbia Records. La idea, que Davis describió en su autobiografía, era improvisar sobre escalas (modos) en lugar de sobre cambios de acordes de movimiento rápido: "Quería tocar escalas, tío." En lugar de recorrer un acorde nuevo cada dos tiempos, la banda podía quedarse en un único modo dórico durante doce compases. La ficha Los modos muestra la conexión entre el dórico y el menor, y entre el mixolidio y el mayor.

"Quería tocar escalas, tío." — Miles Davis sobre el concepto de Kind of Blue

Free jazz (años 60). El álbum Free Jazz de Ornette Coleman (1960, Atlantic) dio nombre a un movimiento que abandonó por completo los cambios de acordes fijos. Algunos músicos conservaron un pulso regular; otros también renunciaron a eso. El free jazz influyó en la vanguardia y dejó un ala permanente de la música que sigue activa.

Fusión (años 70). Guitarras eléctricas, bajo eléctrico, piano Fender Rhodes y ritmos de rock y funk entraron en el jazz. Weather Report (1970–86) y la Mahavishnu Orchestra (1971–76) son los grupos canónicos. La música podía ser muy ruidosa, muy compleja o ambas cosas a la vez.

Jazz contemporáneo (hoy). Kamasi Washington, Esperanza Spalding, Snarky Puppy y decenas de otros beben de todo lo anterior y añaden influencias del hip-hop, gospel, África Occidental y latina. El hilo conductor sigue siendo los cuatro ingredientes: swing, improvisación, acordes de séptima y blues.

La armonía central: el ii–V–I

Si el bebop le dio al jazz una cosa por encima de todo, es el ii–V–I. Open Music Theory lo llama "la progresión de acordes más común en el jazz." En do mayor, es Dm7–G7–Cmaj7: lejos de casa (ii), tensión (V), casa (I). Tres acordes, todos de séptima, las fundamentales moviéndose una quinta hacia abajo cada vez.

El ii–V–I en do. Las fundamentales se mueven D → G → C, cada una una quinta hacia abajo. El mismo patrón funciona en cada tonalidad.

Aquí está en el pentagrama completo, con las disposiciones más habituales:

Dm7–G7–Cmaj7 en do. La clave de sol tiene las notas del acorde; el bajo toca solo la fundamental. Observa que fa aparece tanto en Dm7 como en G7: es la tercera de Dm7 y permanece como séptima de G7.

Tócalo despacio. La ficha ii–V–I en todas las tonalidades muestra la progresión completa en las 12 tonalidades, con las notas guía y la conducción de voces detalladas. El ejercicio de cualidades de acordes de séptima te entrenará para distinguir entre m7, 7 y maj7 de un vistazo.

Por qué esta progresión importa tanto. El G7 contiene un tritono — si y fa, seis semitonos de distancia — y ese intervalo es inquieto. Si quiere subir un semitono a do; fa quiere bajar un semitono a mi. Cuando ambas voces resuelven, aterrizan perfectamente en la tercera y la séptima del Cmaj7. La ficha de séptima de dominante llama a este tritono "el motor del acorde."

La escala de blues: tu primera herramienta para improvisar

Antes de abordar la melodía del bebop, comienza con la escala de blues. Tiene solo seis notas (siete si cuentas la octava superior), y todas suenan bien sobre un blues jazz.

Escala de blues de do: 1 ♭3 4 ♯4 5 ♭7 1. El ♭3 (mi♭), el ♯4 (fa♯) y el ♭7 (si♭) son las blue notes: crean la tensión característica del blues.

La ficha de Pentatónica y escalas de blues describe estas tres notas extra como "notas deliberadamente 'equivocadas' que hacen que el blues sea blues." Toca el ♭3 sobre un acorde de C7 y escucharás por qué: mi♭ choca contra el mi natural del acorde, y ese choque es el sonido. El ♯4 (fa♯) es una nota de paso: deslízalo rápidamente hasta sol. Haz un bucle del blues de 12 compases con la mano izquierda y toca con la mano derecha la escala de blues de do encima, y ya estarás improvisando.

Corcheas con swing y síncopa

El swing y la síncopa están relacionados pero son distintos. El swing tiene que ver con cuándo cae la nota corta (tarde, en el último tercio del tiempo). La síncopa tiene que ver con acentuar una nota que llega entre los tiempos principales, cayendo en el "a" y manteniéndose sobre el siguiente tiempo.

El la del compás 1 llega en el "a" del 2 y se liga sobre el tiempo 3: un desplazamiento sincopado. Cuenta "1 2 a 3 4" y siente cómo el acento cae entre los golpes del pie.

La melodía jazz usa ambos a la vez: las corcheas swingean larga–corta, y ciertas notas llegan antes (en el "a") y se prolongan. Esa combinación le da a la fraseo jazz su característico push and pull. Syncopation enseña el concepto y Ear Training: Swing or Straight? entrena tu oído para distinguirlos de inmediato.

Shell voicings: el mínimo para sonar el acorde

Los pianistas de jazz y pop rara vez tocan todas las notas de un acorde de séptima con la mano izquierda. Tocan un shell: la fundamental más la tercera y la séptima (las notas guía), omitiendo la quinta. Dos o tres notas que suenan claras en el registro del bajo y dejan la mano derecha libre para la melodía.

Shell voicings para ii–V–I. En cada shell voicing la séptima del acorde está encima — do, fa, luego si — mientras que la tercera y la séptima (las notas guía) intercambian posiciones. Ese movimiento de notas guía es lo que hace que el comping jazz suene conectado.

La ficha Shell Voicings explica por qué se omite la quinta ("es una quinta perfecta en maj7, 7 y m7 por igual, así que no añade color") y muestra ambos patrones de shell — fundamental + 3.ª y fundamental + 7.ª — en do y fa. Una vez que puedas hacer el bucle del ii–V–I en shells sin mirar hacia abajo, añade la melodía con la mano derecha y lee todo como una lead sheet.

Bajo caminante: una nota por tiempo

Una línea de bajo caminante se mueve en negras — una nota por tiempo — principalmente sobre las notas del acorde que esté sonando en ese momento. Le da a la música su impulso hacia adelante sin necesidad de batería.

Una línea de bajo caminante de cuatro compases con notas del acorde: fundamental, tercera, quinta y séptima en cada tiempo. El A del compás 4 en el tiempo 4 es una nota de aproximación — un semitono por debajo del si♭ del siguiente acorde en un blues.

Cada compás usa la fundamental, la tercera, la quinta y la séptima de su acorde, en el orden que conecte más suavemente con el siguiente compás. Observa cómo el compás 4 termina en la: está un tono por debajo del si♭ de un blues, o un tono por debajo del si en Cmaj7 de nuevo. Esa nota de aproximación cromática en el tiempo 4 es el truco más común del bajo caminante. Practica el bajo caminante sobre el blues de 12 compases primero — solo tres acordes, doce compases, y escucharás cómo encaja la técnica.

Comping: cómo acompañan pianistas y guitarristas

Comping (abreviatura de acompañar) significa tocar acordes de forma rítmica y conversacional que apoye al solista sin estorbarle. El ritmo básico de comping en jazz coloca golpes de acorde en el tiempo 2 y el "and del 4."

Ritmo de comping: silencio en el tiempo 1, acorde en el tiempo 2, acorde en el "and" del 4 (ligado al compás 2). El acorde en el "and" del 4 es una anticipación jazz clásica: llega un corchea antes.

Swingea la corchea. El acorde en el "and del 4" se liga a través de la barra de compás hasta el tiempo 1 del compás siguiente: llega antes, lo que da al comping jazz su inclinación hacia adelante. La mano izquierda toca el shell voicing (fundamental + 7.ª) mientras la derecha toca estos ritmos; juntas encajan sin molestar al solista.

Una melodía jazz sobre ii–V–I

Aquí hay una frase original de tres compases que esboza cada acorde del ii–V–I, usando principalmente notas del acorde.

Cada compás usa las notas propias del acorde: Dm7 (D, F, C, A), G7 (si, D, F, E), Cmaj7 (C, G). El silencio del compás 2 deja espacio para respirar: el fraseo jazz respira.

El silencio del compás 2 no es un error: es parte de la frase. Los músicos de jazz dejan huecos. Practica esta frase despacio con los acordes ii–V–I en la mano izquierda; luego intenta crear tu propia frase usando las mismas notas del acorde en un orden diferente. La ficha Improvisando con la pentatónica ofrece una receta de cuatro pasos: "Elige un ritmo, repítelo con notas cambiadas, deja algo de espacio, termina en la nota de casa."

Los principales estilos: una comparación rápida

Cada época tuvo su propio rango de tempo, enfoque armónico y formación. Aquí hay una visión comparativa de seis de los más importantes.

Los seis estilos usan swing, improvisación, acordes de séptima y raíces en el blues. Lo que cambia es la velocidad, la complejidad y los instrumentos.

El lugar más fácil para escuchar la diferencia: pon tres grabaciones seguidas — "West End Blues" de Louis Armstrong (1928), "Ko-Ko" de Charlie Parker (1945) y "So What" de Miles Davis (de Kind of Blue, 1959). El beat de Armstrong es flexible, el de Parker es vertiginoso y denso, el de Davis es espacioso y lento. Los mismos cuatro ingredientes, tres sensaciones completamente diferentes.

Cómo empezar a tocar jazz

La ruta más directa no es estudiar armonía primero: es escuchar, luego tocar el blues, luego aprender un estándar.

Seis pasos en orden. Los pasos 1–3 pueden suceder en la primera semana; los pasos 4–6 se desarrollan a lo largo de meses.

Paso 1: Escuchar. Comienza con Kind of Blue de Miles Davis (1959) como punto de entrada espacioso y "Now's the Time" de Charlie Parker (1945) para la energía del bebop. Escucha cuándo cae el swing, cuándo los solistas dejan espacio y cuándo la banda respira junta.

Paso 2: Aprender las corcheas con swing. Toma una melodía que ya conozcas — una canción popular, un himno, lo que sea — y swingea cada par de corcheas larga–corta. Tócala de las dos maneras, como está escrita y con swing, y tu cuerpo recordará la diferencia. Swing Eighths tiene un riff para practicar de ambas maneras y un ejercicio de oído (Ear Training: Swing or Straight?) para comprobar tu oído.

Paso 3: Tocar un blues. El blues de 12 compases es la base del jazz. En fa, eso es F7 (cuatro compases), B♭7 (dos compases), F7 (dos compases), C7 (un compás), B♭7 (un compás), F7 a C7 (dos compases). La ficha de Blues de 12 compases tiene el mapa completo de acordes; La pentatónica y escalas de blues te da la escala de blues de fa (F la♭ si♭ si do mi♭ F) para improvisar encima.

Paso 4: Dominar el ii–V–I. Haz un bucle de Dm7–G7–Cmaj7 hasta que los cambios ocurran sin pensar. Luego transpón a fa (Gm7–C7–Fmaj7) y sol (Am7–D7–Gmaj7). La ficha ii–V–I muestra las 12 tonalidades. La ficha Shell Voicings reduce cada acorde a dos o tres notas que encajan naturalmente en la mano izquierda.

Paso 5: Aprender un estándar. Elige una pieza — "Autumn Leaves" o "Blue Bossa" son amigables para principiantes — y aprende la melodía de oído primero. Luego añade los símbolos de acorde como una lead sheet. La mano izquierda toca la fundamental en el tiempo 1, la mano derecha toca la melodía. Cuando eso sea fácil, reemplaza la mano izquierda con shell voicings.

Paso 6: Encontrar una banda. El jazz es una conversación. Cuanto antes toques con otras personas — incluso un baterista o un instrumentista de viento — más rápido desarrollarás las habilidades auditivas que separan a un músico de jazz de alguien que ha memorizado notas que suenan a jazz.

Fichas gratuitas para esta lección

• Swing Eighths — el marking de swing, cómo contarlo y cuándo usarlo.
• Ear Training: Swing or Straight? — escucha e identifica corcheas con swing o rectas.
• La séptima de dominante — G7 construido a partir de una tríada mayor más una séptima menor; el tritono que contiene.
• La séptima mayor — Cmaj7: soñador e irresuelto, el acorde "I" del jazz.
• La séptima menor — Dm7: el acorde "ii"; suave y fácil.
• Nombra los acordes de séptima — practica maj7, 7, m7, ø7 y °7 de un vistazo.
• El ii–V–I en todas las tonalidades — Dm7–G7–Cmaj7 en las 12 tonalidades con notas guía.
• Shell Voicings — fundamental más 3.ª y 7.ª; la abreviatura para la mano izquierda de cada acorde de séptima.
• Leer una lead sheet — melodía más símbolos de acorde; tres pasos para convertirlos en música.
• El blues de 12 compases — doce compases, tres acordes, la columna vertebral del jazz y el blues.
• La pentatónica y escalas de blues — la escala de blues y sus blue notes.
• Improvisando con la pentatónica — receta de cuatro pasos para tu primer solo.
• Syncopation — acentos fuera de tiempo y ligaduras que caen entre los tiempos.
• Los modos — dórico, mixolidio y la conexión con el jazz modal.

Encuentra más en la biblioteca de fichas.

Únete ahora a la conversación

El jazz se construye sobre cuatro cosas que puedes practicar hoy mismo: swing, acordes de séptima, la escala de blues y la progresión ii–V–I. La historia es larga y rica — desde el corneta de Buddy Bolden en Nueva Orleans hacia 1895 hasta los maratonianos conciertos de saxofón de Kamasi Washington hoy — pero todos los músicos empezaron con esas mismas cuatro herramientas y lentamente las hicieron suyas.

Un profesor de piano de Tissimo puede escucharte en una clase online en directo y decirte si tu swing cae en el tercio correcto del tiempo y si tus voicings del ii–V–I son lo bastante fluidos para acompañar una melodía.

Fuentes

• Ted Gioia, The History of Jazz (Oxford University Press, 3.ª ed., 2021)
• Gary Giddins y Scott DeVeaux, Jazz (W. W. Norton, 2009)
• "jazz" — Encyclopaedia Britannica (archivado)
• Miles Davis y Quincy Troupe, Miles: The Autobiography (Simon & Schuster, 1989)
• Open Music Theory — Viva Open Publishing (archivado)
• Alexander Stewart, "'Funky Drummer': New Orleans, James Brown and the rhythmic transformation of American popular music" — Popular Music 19/3 (2000)