クラシック音楽の時代：初心者のための聴取ガイド

西洋クラシック音楽の録音を一枚手にとってみよう——グレゴリオ聖歌でも、バッハのフーガでも、ショパンのノクターンでも——そこには特定の時代が刻み込まれている。テクスチャー、和声、楽器、形式：すべてがその時代の刻印を帯びている。このガイドでは六つの時代を順に巡り、それぞれで何に耳を傾けるべきかを示し、ピアノで違いを聴いて感じとれるよう数小節を演奏する。

始める前に一つの基本ルール：以下の年代はおおよそのものであり、各時代のスタイルはその時期が「終わった」後もずっと作曲家に影響を与え続けた。ベートーヴェンは古典派の時代に生まれ、1827年に没したが、それはシューベルトの一年前のことだった。ワーグナーとブラームスはほぼ同時代人でありながら正反対の方向に進んだ。年代は目安として使い、厳密な区切りと捉えないでほしい。

西洋クラシック音楽の六つの時代。すべての年代はおおよそのもので、時代は端で重なり合う。

中世（~500–1400）：一つの声、そして多声へ

中世の音楽は主に教会の中で育まれた。現存する西洋音楽の最古にして最大の文献がグレゴリオ聖歌——プレインチャントとも呼ばれる——であり、カトリック教会がおよそ7世紀以降にヨーロッパ全土で体系化し普及させた単旋律の典礼メロディーの大きなコレクションだ。その名は教皇グレゴリウス1世（604年没）を称えるが、中世の伝説は彼の役割を誇張していた。レパートリーの多くは何世紀にもわたって作られ洗練された。

*モノフォニー*とは一本のメロディーラインだけで、伴奏のないことを意味する。次のメロディーを弾いてみよう。規則的な拍節も下に和声もなく、時間の中に浮遊しているような感覚に気づくだろう。

Dドリアンによるオリジナルのプレインチャント風メロディー。演奏に小節線はつけない——聖歌はラテン語テキストの自然なリズムで流れる。ドリアン旋法はD–E–F–G–A–B♭–C–Dの音列をとる。

グレゴリオ聖歌は後の音楽を支配した長調・短調ではなく教会旋法（モード）を用いる。各旋法は全音と半音の独特なパターンを持つ七音音階だ。たとえば上のドリアン旋法は短調的な性格を持ちながら、第六音（B♭）が純粋なAマイナー音階とは異なる色彩を与える。旋法に馴染みがない場合は、ワークシート旋法で七種すべてを音声付きで確認できる。耳で旋法を聴き取る練習は旋法を聴き当てるで行える。

11～12世紀になると、作曲家たちは聖歌に第二声部を加え始めた——オルガヌムと呼ばれる実践——そこから二世紀にわたって複数の独立したメロディーを絡み合わせる方法を発展させていった。ポリフォニー（同時に鳴る多声）へのこの動きこそが、中世後期の中心的な物語だ。

この時代から二人の名前が際立つ。ビンゲンのヒルデガルト（1098–1179）はドイツの修道院長・神学者・作曲家で、その聖歌——特にサイクル*Symphoniae harmoniae caelestium revelationum*——は完全な形で残り、今日も演奏されている。ギョーム・ド・マショー（1300年頃–1377）はフランスの詩人・作曲家で、その*ノートルダム・ミサ曲*（1364年頃）は単一の既知の作曲家によるミサ通常文の最初の完全な作曲と広く見なされている。

ルネサンス（~1400–1600）：調和する声部

中世が複数の声部を*組み合わせることができる*と確立したなら、ルネサンスはそれを美しく響かせる方法を見出した。特徴は滑らかな声楽的ポリフォニーだ：各声部ラインはそれ自体で歌えるものであり、不協和音は丁寧に準備され解決され、テクスチャー全体が一体となって息をする。

模倣による二声部。声部2は声部1の二拍後に同じメロディーを五度下で入る——模倣的ポリフォニーの技法で、ルネサンスの中心的な作曲手法となった。

上に示した技法——ある声部が別の声部を間隔をおいてコピーする——は模倣的ポリフォニーまたは模倣と呼ばれる。最も体系的になるとそれはカノンになる（民謡「蛍の光」はその身近な例だ）。ワークシートカノン：入りと重なりでは声部の絡み合いを聴いて追うことができる。

音楽は今やヨーロッパ全土で初めて印刷・流通されるようになり（オッタヴィアーノ・ペトルッチが1501年にヴェネツィアで最初のポリフォニー印刷楽譜集を出版した）、主たる媒体は合唱モテットとミサ曲だった。ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ（1525年頃–1594）は後期ルネサンス聖楽ポリフォニーの中心的存在で、その不協和音の扱いは今日も教えられる声部進行の教科書的モデルとなった。ジョスカン・デ・プレ（1450年頃–1521）はルネサンス前期の最も影響力ある作曲家で、ヨーロッパ全土に名声を轟かせ、マルティン・ルターから「音の主人」と称された。

聴き方：ルネサンスのポリフォニーでは一つの声部を最初から最後まで追ってみよう。滑らかで主に順次進行する上下の動きと、直前に同じフレーズを歌った別の声部を模倣する動きに気づくはずだ。ワークシート四声体和声では、この時代に発展した声部進行の原則が今日のクラシック和声学の根底にあることを示している。

バロック（~1600–1750）：装飾、対位法、そして歩くバス

バロック音楽は西洋音楽の響きを変えた二つの新しいアイデアとともに到来した。一つはモノディー——ルネサンスのポリフォニーへの反動として、1600年頃のイタリアの作曲家たちが意図的に音楽を単一の表現力豊かな声楽ラインにシンプルな和音伴奏を添えた形に還元した。この新しいシンプルさがオペラを生んだ（最初の認知されたオペラ、ヤコポ・ペーリの*ダフネ*は1597–1598年頃のものだ）。

二つ目のアイデアはバッソ・コンティヌオ：鍵盤楽器（チェンバロまたはオルガン）と低弦楽器（チェロまたはファゴット）が担うバスラインで、鍵盤奏者がバスの上に内声部の和音を即興演奏する。バスラインには鍵盤奏者を導くための通奏低音記号（数字）がしばしば書き添えられた。ワークシート通奏低音と通奏低音を実現するがその仕組みを詳しく示している。

下の歩くバスを弾いてみよう。左手がCマイナーの調の中を安定した四分音符で歩く間、旋律部分がその上をより長く装飾的な音符で流れる。これがバロックの本質的なテクスチャーだ。

Cマイナーによるオリジナルの歩くバス。バスが音階を通して安定した四分音符で動き、その上の旋律がより長い音価で息をする——バッソ・コンティヌオの典型的なテクスチャー。

バロック時代は対位法——厳格なルールに従って独立したメロディーを組み合わせる技術——の体系化と、その最も精緻な形式であるフーガの確立を見た。フーガは一つの声部で短いメロディー（主題）を提示し、後続の各声部がそれを模倣する間に最初の声部が新しい材料で続く。ヨハン・ゼバスティアン・バッハ（1685–1750）はレパートリー中で最も名高いフーガを書いた。その中には*平均律クラヴィーア曲集*の二巻（1722年と1742年）が含まれる。ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル（1685–1759）は歌手とオーケストラのための大規模作品、とりわけ*メサイア*（1741年）で名声を築いた。アントニオ・ヴィヴァルディ（1678–1741）は協奏曲形式を完成させ、四季（1725年）はかつて録音された中で最も多い部類に入る。

バロックのメロディーは装飾音——トリル、ターン、モルデント、前打音——によって豊かに装飾されており、作曲家はしばしば記号でそれを示し、実行の詳細を演奏者に委ねた。ワークシート装飾音と時代を通じた装飾音には一般的な記号とそれぞれの時代での弾き方の違いが示されている——バロックのトリルは上の音から始まり、ロマン派のトリルは通常書かれた音から始まる。

バロックの聴き方：バスラインを見つけて追おう——ほぼ動きが止まらない。短い同じメロディーで複数の声部が次々と入ってくるなら、それはフーガ的なテクスチャーだ。長い音符に複雑な渦巻き状の装飾が聞こえるなら、それは装飾音だ。

古典派（~1750–1820）：明晰さ、均衡、そしてソナタ

古典派時代は、一部においてバロックの複雑さへの意識的な反動だった。新しい理想は明晰さ：上に単一の明確に定義されたメロディー、その下にシンプルで控えめな伴奏。テクスチャーはホモフォニー——すべての声部が一緒に動き、主要な一本のラインに奉仕する——となった。絶え間ない多声的なざわめきは去り、フレーズと応答が、まるで会話のような交換として入ってきた。

ピアノで最も特徴的な左手の伴奏はアルベルティ・バスだった：三和音の下、中、上の音符を交互に弾く分散和音パターンで、メロディーを邪魔することなく和声を活かし続ける。

ハ長調でアルベルティ・バス上のメロディー。左手：各三和音の下–中–上–中を繰り返す。右手：単純な順次進行のメロディー。このパターンはメロディーと競合することなく和声を生かし続ける。

ワークシートアルベルティ・バスでこのパターンを詳細に練習できる。また、モーツァルトのソナタ ハ長調 K. 545を通じてこのテクスチャーを聴くこともできる——第一楽章の冒頭はまさにこのパターンをその有名な主題の下で使っている。

古典派時代を定義する建築的な形式はソナタ形式だった：三部構造（提示部、展開部、再現部）で、第一主題が主調で提示され、第二主題が属調または平行長調に現れ、両者が遠隔の調を通じて発展し、再現部で両主題が主調に戻る。ワークシートソナタ形式はモーツァルトとクレメンティの例でこの設計図を示し、ソナタ探偵はどの主題が「旅先」でどれが「家に帰ってきた」かを聴き取る耳を鍛える。

フランツ・ヨーゼフ・ハイドン（1732–1809）はキャリアの大半をハンガリーのエステルハージ宮殿で過ごしたが、104の交響曲と68の弦楽四重奏曲はその後のほぼすべての古典的形式を形作った。ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト（1756–1791）はおそらくレパートリーの中で最も親しみやすい作曲家だ；そのソナタ ハ長調 K. 545は古典的ソナタ形式の完璧な教科書だ。ルートヴィヒ・ファン・ベートーヴェン（1770–1827）は通常古典派に分類されるが、晩年の作品——後期弦楽四重奏曲、第九交響曲——はあまりにも多くの古典的慣習を打ち破ったため、古典派とロマン派の架け橋として理解するのが最適だ。彼の月光ソナタとエリーゼのためにはピアノで最も練習される曲に数えられる。

古典派の聴き方：フレーズを数えよう。古典音楽はしばしば四小節単位で構築される——問いと答え、フォーマルな会話のように。上に明確なメロディーがあり、その下に安定した控えめな左手が聞こえるなら、それが古典的ホモフォニーだ。主題が別の調で戻り、そして家に帰ってくると、それはソナタ形式が機能している。

三つの中心的な時代の比較。バロックと古典派は端で重なり合う；ベートーヴェンは古典派とロマン派を橋渡しする。

ロマン派（~1820–1900）：表現、色彩、そして国民主義

ロマン派はすべてを拡大した。ダイナミクスの幅がささやきから雷鳴まで広がった。オーケストラが大きくなった。和声はより豊かで奇異になり、主調の外から音を借りてきた——半音階法（クロマティシズム）と呼ばれる技法だ。原動力は表現：ロマン派の作曲家たちは音楽に感情を伝え、物語を語り、風景を描かせたかった。標題音楽は交響詩と標題交響曲の形で花開いた。エクトール・ベルリオーズの*幻想交響曲*（1830年）が最もドラマチックな初期の例だ。

下の短いフレーズを弾いてみよう。第1小節のG♯と第2小節のC♯はイ短音階に属さないが、ロマン派的旋律の特徴である切ない引力を生み出す。

イ短調によるオリジナルのロマン派的フレーズ。半音階的経過音G♯とC♯が、素のAマイナーでは得られない切ない雰囲気を生み出す。

フレデリック・ショパン（1810–1849）はほぼピアノのためだけに作曲し、ノクターン、バラード、エチュード、マズルカといった形式を発明または完成させた。その装飾的なスタイルはバロックの習慣を生き続けさせた。ワークシート時代を通じた装飾音が記録するように、ショパンはトリルを上の音から始め、前打音を拍上に置きたかった——バッハと同様に。ロベルト・シューマン（1810–1856）は性格的小品——詩的なタイトルを持つ短いピアノ曲——と結びついている。ヨハネス・ブラームス（1833–1897）は古典的な形式的規律とロマン派的な和声の豊かさを組み合わせた。リヒャルト・ワーグナー（1813–1883）はライトモティーフ——人物や概念に結びついた反復する音楽的テーマ——のシステムと*総合芸術作品（Gesamtkunstwerk）*という目標でオペラを変革した。ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー（1840–1893）はロシア国民主義をコンサートホールにもたらした；ヨーロッパ全土の作曲家たちも同様に民族音楽と国民的音階から引き出すことに触発された。

音楽における国民主義とは、特定の国の口承伝統の民謡・民族リズム・旋法を、コンサートホールやオペラ音楽に使用することを意味した。

ワークシート終止形はロマン派に特に役立つ：ロマン派の作曲家たちは偽終止の達人だった——音楽が今にも家に帰りそうに見えて、予期しない場所へ転じる瞬間だ。

ロマン派の聴き方：フレーズのダイナミクスの形を探そう。柔らかから強くふくらんで引いていくなら、ロマン派にいる可能性が高い。和声に驚かされたら——予期しないコードが来たら——半音階的な音を探そう。音楽が物語や絵画のように聞こえるなら、それは標題的な意図があるだろう。

20世紀以降（~1900–）：同時に並立する多くの言語

20世紀はルネサンス以来西洋芸術音楽を一つにまとめてきた様式的合意を解体した。単一の時代の代わりに、共存する言語の家族が生まれた。

クロード・ドビュッシー（1862–1918）は音楽的印象主義と結びついている：そのピアノ音楽は明確な調的中心を避け、未解決の不協和音を使って揺らめきと示唆の雰囲気を作り出す。アルノルト・シェーンベルク（1874–1951）は無調性——調の中心を持たない音楽——を発展させ、それを十二音技法として体系化した。イーゴリ・ストラヴィンスキー（1882–1971）は幾度も方向を変えた：春の祭典（1913年）の暴力的なリズムエネルギー、次いで新古典主義、次いで十二音技法。バルトーク・ベーラ（1881–1945）は民族的旋法と現代的不協和音を融合させた。世紀後半にはスティーヴ・ライヒとフィリップ・グラスがミニマリズムを発展させた：ゆっくりと変化する反復パターンから構築された音楽だ。好奇心旺盛な初心者にとって、ドビュッシーの*月の光*とサティの*ジムノペディ*は良い入口だ。

三つのテクスチャーを並べて

先に進む前に、これらの時代を貫く三つの主要なテクスチャーを比較する価値がある。モノフォニー（一本のライン）、ポリフォニー（独立した同時進行のライン）、ホモフォニー（旋律と伴奏）はどの時代にも見出せるが、各時代には支配的なテクスチャーがある。

三つのテクスチャー。モノフォニー：一声部。ポリフォニー：二つ以上の独立した声部。ホモフォニー：上に旋律、下に伴奏。ワークシートテクスチャーでそれぞれを耳で識別できる。

ワークシートテクスチャーは三つすべてを扱い、音声例を含む。聴音：テクスチャーでは短い断片で耳を試す。

耳で時代を聴き分ける方法

年代や名前を調べる前に、一つの簡単な手がかりで判断できる。

時代ごとに一つ、六つの聴取の手がかり。これらは出発点であり、ルールではない——どの時代の作曲家も期待を裏切ることがある。

これらの手がかりを使って各時代の録音を二、三枚聴いてみよう。中世には、ヒルデガルト・フォン・ビンゲンの*O Viridissima Virga*が最も空高くはばたく聖歌を聴かせてくれる。ルネサンスにはパレストリーナの*キリエ*を試みよう。バロックにはバッハの*平均律クラヴィーア曲集*の*ハ長調前奏曲*が片手のバッソ・コンティヌオ・テクスチャーを与えてくれる。古典派にはモーツァルトのソナタ ハ長調 K. 545の冒頭（ワークシートモーツァルト ソナタ K. 545で入手可能）がアルベルティ・バスと明確なフレーズ構造を示す。ロマン派にはショパンの*夜想曲 変ホ長調 Op. 9 No. 2*を、20世紀にはドビュッシーの*月の光*を。

クイックリファレンスカード

以下のカードは各時代の主要な特徴をまとめている。見知らぬ曲に出会ってその時代を特定したいときの学習補助として活用しよう。

一目でわかる六つの時代。聴くときにこれらの特徴を念頭に置き、下のワークシートでそれぞれを詳しく探求しよう。

このレッスンの無料ワークシート

• 時代を通じた装飾音 — バロック、古典派、ロマン派音楽における一般的な装飾記号の弾き方と各音声
• ソナタ形式 — モーツァルトとクレメンティの例による三部構成の設計図と音声マップ
• ト長調のメヌエットの内側 — ペッツォルトのメヌエットを小節ごとに分析：二部形式、二声テクスチャー、装飾音
• ベートーヴェンの月光ソナタの内側 — ロマン派で最も有名なピアノ曲の一つのテクスチャー、形式、練習計画
• モーツァルトのソナタ ハ長調 K. 545の内側 — モーツァルトの最も透明な楽章の一つを通じたソナタ形式と古典的テクスチャー
• アルベルティ・バス — ピアノにおける古典派時代の最も一般的な伴奏パターン
• 通奏低音 — 数字付きバスラインの上に和音を即興するバロックの実践
• テクスチャー — 音声例付きで説明するモノフォニー、ポリフォニー、ホモフォニー
• 旋法 — 音声付きで中世とルネサンス音楽で使われた七つの旋法

Tissimoの先生は特定の曲を歴史的文脈に位置づけ、装飾音・形式・テクスチャーをリアルタイムで指摘し、今あなたが知っていることに基づく練習の道筋を提案してくれる。/music-teachers/instrument/pianoで先生を探してみよう。

出典

• Grove Music Online — Gregorian Chant (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Hildegard of Bingen (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Machaut, Guillaume de (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Palestrina (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Josquin des Prez (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Baroque (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Sonata form (Oxford University Press)
• Richard Taruskin, The Oxford History of Western Music, Vol. 1–5 (Oxford University Press, 2005)