Эпохи классической музыки: руководство для начинающих слушателей

Возьмите любую запись западной классической музыки — григорианский хорал, фугу Баха, ноктюрн Шопена — и вы тут же окажетесь в определённой точке времени. Фактура, гармония, инструменты, формы: всё несёт отпечаток своей эпохи. Это руководство проведёт вас через шесть периодов, расскажет, что именно слушать в каждом из них, и сыграет несколько тактов, чтобы вы могли услышать и почувствовать различия за фортепиано.

Одно основное правило, прежде чем начать: приведённые ниже даты приблизительны, и стиль каждой эпохи продолжал влиять на композиторов долго после того, как период «завершился». Бетховен родился в эпоху классицизма и умер в 1827 году, на год раньше Шуберта; Вагнер и Брамс были примерными современниками, работавшими в противоположных направлениях. Используйте даты как приблизительные ориентиры, а не как жёсткие границы.

Шесть эпох западной классической музыки. Все даты приблизительны; эпохи пересекаются на краях.

Средневековье (~500–1400): один голос, потом много

Музыка Средних веков росла главным образом внутри церкви. Древнейший значительный корпус сохранившейся западной музыки — григорианский хорал, также называемый плейнчантом: большой свод одноголосных литургических мелодий, который Католическая церковь систематизировала и распространила по всей Европе примерно с VII века. Название отдаёт дань уважения папе Григорию I (ум. 604 г. н. э.), хотя средневековые предания преувеличивали его роль; значительная часть репертуара создавалась и совершенствовалась на протяжении столетий.

Слово монофонный означает одну мелодическую линию без сопровождения. Сыграйте приведённую ниже мелодию и обратите внимание на то, как она кажется подвешенной в воздухе — без регулярной метрической пульсации и без гармонии под ней.

Оригинальная мелодия в стиле плейнчанта в ре дорийском ладу. В исполнении тактовые черты не ставятся — хорал течёт в естественном ритме латинского текста. Дорийский лад: D–E–F–G–A–B♭–C–D.

Григорианский хорал использует лады (церковные тоны), а не мажорные и минорные гаммы, ставшие господствующими позднее. Каждый лад — семиступенная гамма с характерным чередованием целых тонов и полутонов. Дорийский лад, например, имеет минорный характер, но его шестая ступень (B♭) придаёт ему иную окраску по сравнению с чистым ля-минором. Если лады для вас в новинку, рабочий лист Лады покажет все семь на нотном стане со звуком. Определять лады на слух можно в упражнении Угадай лад.

В XI–XII веках композиторы начали добавлять к хоралу второй голос — практика, называемая органумом — и за два столетия разработали всё более сложные способы переплетения нескольких независимых мелодий. Это движение к полифонии (многие одновременные голоса) является центральной темой позднего Средневековья.

Из этого периода выделяются два имени. Хильдегард Бингенская (1098–1179) — немецкая аббатиса, богослов и композитор, чьи хоралы — особенно цикл Symphoniae harmoniae caelestium revelationum — сохранились полностью и исполняются сегодня. Гийом де Машо (ок. 1300–1377) — французский поэт и композитор, чья Месса Нотр-Дам (ок. 1364) широко считается первой полной версией Ординария мессы, написанной одним известным автором.

Ренессанс (~1400–1600): голоса в гармонии

Если Средневековье установило, что несколько голосов могут сочетаться, Ренессанс разработал, как заставить их звучать прекрасно вместе. Отличительная черта — плавная вокальная полифония: каждая голосовая линия поётся самостоятельно, диссонансы тщательно подготовлены и разрешены, а общая фактура дышит как единое целое.

Два голоса в имитации. Голос 2 вступает на две доли после Голоса 1 с той же мелодией на квинту ниже — техника имитационной полифонии, ставшая центральным композиционным методом эпохи Ренессанса.

Описанная выше техника — один голос копирует другой с временным сдвигом — называется имитационной полифонией или имитацией. В наиболее систематическом виде она становится каноном (народная песня «Братец Яков» — популярный пример). Рабочий лист Канон: вступление и наложение позволяет услышать и проследить, как переплетаются голоса.

Музыка впервые была напечатана и распространена по всей Европе (Оттавиано Петруччи издал в Венеции в 1501 году первый сборник печатной полифонии), и главным жанром были хоровой мотет и месса. Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (ок. 1525–1594) — центральная фигура позднеренессансной духовной полифонии; его тщательная трактовка диссонанса стала учебной моделью голосоведения, преподаваемой по сей день. Жоскен де Пре (ок. 1450–1521) был, пожалуй, наиболее влиятельным композитором раннего Ренессанса, прославившимся по всей Европе; Мартин Лютер называл его «мастером нот».

Как слушать: в ренессансной полифонии попробуйте следить за одним голосом от начала до конца. Обратите внимание, как он поднимается и опускается в плавных, преимущественно поступенных линиях и как иногда имитирует голос, только что пропевший ту же фразу на долю-другую раньше. Рабочий лист Четырёхголосная гармония показывает, как принципы голосоведения, сложившиеся в эту эпоху, по-прежнему лежат в основе классической гармонии.

Барокко (~1600–1750): орнамент, контрапункт и «шагающий» бас

Барочная музыка пришла с двумя новыми идеями, преобразившими звучание западной музыки. Первая — монодия: в противовес ренессансной полифонии около 1600 года некоторые итальянские композиторы намеренно свели музыку к единственной выразительной вокальной линии с простым аккордовым сопровождением. Эта новая простота породила оперу (первая признанная опера — Дафна Якопо Пери — датируется примерно 1597–1598 годами).

Вторая идея — бассо континуо: басовая линия, исполняемая клавишным инструментом (клавесином или органом) совместно с низким струнным (виолончелью или фаготом), причём клавишник импровизировал внутренние гармонии над басом. Нередко под нотами баса проставлялись цифры генерал-баса как ориентир для клавишника. Рабочие листы Генерал-бас и Реализуй генерал-бас подробно объясняют, как это работает.

Сыграйте приведённый ниже «шагающий» бас. Левая рука идёт ровными четвертями через до-минор, тогда как мелодия наверху течёт более длинными, богато украшенными нотами. Это и есть типичная барочная фактура.

Оригинальный «шагающий» бас в до-миноре. Бас движется ровными четвертями по гамме, тогда как мелодия наверху дышит более долгими длительностями — классическая фактура бассо континуо.

Эпоха барокко также ознаменовалась кодификацией контрапункта — искусства соединения независимых мелодий по строгим правилам — и его наиболее разработанной формы: фуги. Фуга излагает краткую мелодию (тему) в одном голосе, после чего каждый следующий голос имитирует её, пока первый голос продолжает с новым материалом. Иоганн Себастьян Бах (1685–1750) написал самые знаменитые фуги в репертуаре, в том числе два тома Хорошо темперированного клавира (1722 и 1742). Георг Фридрих Гендель (1685–1759) снискал репутацию масштабными произведениями для певцов и оркестра, включая Мессию (1741). Антонио Вивальди (1678–1741) довёл до совершенства форму концерта; его Времена года (1725) входят в число наиболее записываемых произведений всех времён.

Барочные мелодии богато украшены орнаментами: трелями, группетто, мордентами и форшлагами — знаками, которые композитор обозначал символами, оставляя детали исполнения на усмотрение музыканта. Рабочие листы Орнаменты и Орнаменты сквозь эпохи показывают каждый распространённый знак и то, как он исполнялся по-разному в разные эпохи — барочная трель начинается с верхней ноты, тогда как романтическая обычно — с написанной.

Как слушать барокко: найдите басовую линию и следите за ней — она почти никогда не прекращает движения. Когда несколько голосов поочерёдно вступают с одной и той же короткой мелодией, это фугированная фактура. А когда на длинной ноте слышатся затейливые вьющиеся украшения — это орнаменты.

Классицизм (~1750–1820): ясность, уравновешенность и соната

Классицизм отчасти был сознательной реакцией на барочную сложность. Новый идеал — ясность: единственная, чётко очерченная мелодия сверху, а под ней — простое, ненавязчивое сопровождение. Фактура стала гомофонной — все голоса движутся вместе, обслуживая одну главенствующую линию. Непрерывное полифоническое многоголосие в основном ушло в прошлое; на смену пришла фраза и ответная фраза, как в учтивом диалоге.

Самым характерным аккомпанементом левой руки на фортепиано стал бас Альберти: паттерн с broken chord (ломаными аккордами), чередующий нижний, средний и верхний звуки трезвучия. Он поддерживает движение гармонии, не отвлекая от мелодии.

Мелодия над басом Альберти в до-мажоре. Левая рука: нижний–средний–верхний–средний звуки каждого трезвучия, повторяемые. Правая рука: простая поступенная мелодия. Паттерн поддерживает гармонию живой, не конкурируя с мелодией.

Рабочий лист Бас Альберти подробно отрабатывает этот паттерн. Эту фактуру можно также услышать на протяжении всей Сонаты до-мажор K. 545 Моцарта — открытие первой части использует именно этот паттерн под знаменитой темой.

Определяющей архитектурной формой классицизма была сонатная форма: трёхчастная структура (экспозиция, разработка, реприза), в которой первая тема излагается в главной тональности, вторая тема появляется в доминантовой или параллельной мажорной, обе разрабатываются в отдалённых тональностях, и обе темы возвращаются домой в репризе. Рабочий лист Сонатная форма схематично изображает этот план на примерах Моцарта и Клементи, а Детектив сонаты учит ухо различать, какая тема «в пути», а какая «вернулась домой».

Франц Йозеф Гайдн (1732–1809) провёл большую часть карьеры во дворце Эстерхази в Венгрии, но его 104 симфонии и 68 струнных квартетов сформировали почти все классицистические формы, последовавшие за ним. Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791) — пожалуй, самый непосредственно любимый композитор репертуара; его Соната до-мажор K. 545 — образцовый учебник классической сонатной формы. Людвиг ван Бетховен (1770–1827) обычно относится к классицизму, однако его позднее творчество — последние струнные квартеты, Девятая симфония — нарушило столь многие классицистические каноны, что его лучше понимать как мост между классицизмом и романтизмом. Его Лунная соната и Für Elise относятся к наиболее исполняемым пьесам на фортепиано.

Как слушать классицизм: считайте фразы. Классическая музыка нередко строится четырёхтактными единицами — вопрос и ответ, как в чинном разговоре. Когда вы слышите ясную мелодию наверху и ровную, ненавязчивую левую руку под ней, это классическая гомофония. Когда тема возвращается в другой тональности, а затем приходит «домой», вы слышите сонатную форму в действии.

Три центральные эпохи в сравнении. Барокко и классицизм пересекаются на краях; Бетховен соединяет классицизм и романтизм.

Романтизм (~1820–1900): экспрессия, колорит и национализм

Романтизм усилил всё. Динамический диапазон расширился от шёпота до грома. Оркестры стали больше. Гармонии сделались богаче и причудливее, заимствуя звуки за пределами главной тональности — приём, называемый хроматизмом. Движущей силой стала экспрессия: романтические композиторы хотели, чтобы музыка передавала эмоции, рассказывала истории, рисовала пейзажи. Программная музыка расцвела в жанрах симфонической поэмы и программной симфонии. «Фантастическая симфония» (1830) Гектора Берлиоза — наиболее драматичный ранний пример.

Сыграйте приведённую ниже короткую фразу. Соль-диез (G♯) в такте 1 и до-диез (C♯) в такте 2 не принадлежат гамме ля-минор, однако они создают томительное притяжение — характерную черту романтической мелодии.

Оригинальная романтическая фраза в ля-миноре. Хроматические проходящие ноты G♯ и C♯ создают ностальгический, томительный характер, которого в чистом ля-миноре не было бы.

Фредерик Шопен (1810–1849) писал почти исключительно для фортепиано, изобретая или совершенствуя такие жанры, как ноктюрн, баллада, этюд и мазурка. Его орнаментальный стиль сохранял барочные традиции, что подробно документирует рабочий лист Орнаменты сквозь эпохи: Шопен начинал трели с верхней ноты и хотел, чтобы форшлаги звучали на доле, как у Баха. Роберт Шуман (1810–1856) ассоциируется с характерной пьесой — небольшим фортепианным сочинением с поэтическим названием. Иоганнес Брамс (1833–1897) сочетал классицистическую формальную строгость с романтическим гармоническим богатством. Рихард Вагнер (1813–1883) преобразовал оперу своей системой лейтмотивов — повторяющихся музыкальных тем, связанных с персонажами или идеями, — и стремлением к Gesamtkunstwerk (совокупному произведению искусства). Пётр Ильич Чайковский (1840–1893) принёс русский национализм в концертные залы; композиторы по всей Европе точно так же черпали вдохновение в народной музыке и национальных звукорядах.

Национализм в музыке означал использование народных мелодий, народных ритмов и ладов устной традиции конкретной страны в концертной и оперной музыке.

Рабочий лист Каденции особенно полезен для романтической эпохи: романтические композиторы были мастерами прерванной каденции — момента, когда музыка, кажется, вот-вот вернётся домой, но неожиданно сворачивает в сторону.

Как слушать романтизм: найдите динамическую форму фразы. Если она нарастает от тихого к громкому, а затем отступает — вы, вероятно, в романтической эпохе. Если гармония вас удивляет — если аккорд пришёл неожиданный — ищите хроматическую ноту. А когда музыка как будто рассказывает историю или рисует картину — за этим, скорее всего, стоит программный замысел.

XX век и далее (~1900–): множество языков одновременно

XX век разрушил стилевой консенсус, объединявший западную академическую музыку со времён Ренессанса. Вместо единой эпохи возникло сообщество сосуществующих языков.

Клод Дебюсси (1862–1918) ассоциируется с музыкальным импрессионизмом: его фортепианная музыка избегает чётких тональных центров и использует неразрешённые диссонансы для создания атмосферы мерцания и намёка. Арнольд Шёнберг (1874–1951) разработал атональность — музыку без тонального центра — и систематизировал её в двенадцатитоновый серийный метод. Игорь Стравинский (1882–1971) неоднократно менял направление: неистовая ритмическая энергия Весны священной (1913), затем неоклассицизм, затем серийность. Бела Барток (1881–1945) слил народные лады с современным диссонансом. В более поздние десятилетия века Стив Райх и Филип Гласс разработали минимализм: музыку из медленно меняющихся повторяющихся паттернов. Для любознательного начинающего Clair de lune Дебюсси и Gymnopédies Сати — хорошие точки входа.

Три фактуры рядом

Прежде чем двигаться дальше, стоит остановиться и сравнить три основные фактуры, пронизывающие эти эпохи. Монофония (одна линия), полифония (независимые одновременные линии) и гомофония (мелодия плюс аккомпанемент) встречаются в любой отдельной эпохе, однако у каждой эпохи есть господствующая фактура.

Три фактуры. Монофония: один голос. Полифония: два и более независимых голоса. Гомофония: мелодия наверху, аккомпанемент внизу. Рабочий лист Фактура позволяет определять каждую на слух.

Рабочий лист Фактура охватывает все три и содержит аудиопримеры. Слуховой анализ: фактура проверяет слух на коротких отрывках.

Как различать эпохи на слух

Одна быстрая подсказка поможет ориентироваться, прежде чем вы откроете справочник.

По одной слуховой подсказке на каждую из шести эпох. Это отправные точки, а не правила — композитор любой эпохи может нарушить ожидание.

Прослушайте по два-три произведения каждой эпохи, используя эти подсказки. Для Средневековья O Viridissima Virga Хильдегард Бингенской даёт вам плейнчант в его самом парящем виде. Для Ренессанса попробуйте Kyrie Палестрины. Для барокко Прелюдия до-мажор Баха из Хорошо темперированного клавира даёт фактуру бассо континуо одной рукой. Для классицизма начало Сонаты до-мажор K. 545 Моцарта (на рабочем листе Соната Моцарта K. 545) демонстрирует бас Альберти и ясную структуру фраз. Для романтизма — Ноктюрн ми-бемоль мажор, op. 9 № 2 Шопена, а для XX века — Clair de lune Дебюсси.

Быстрые карточки-справочники

Карточки ниже суммируют ключевые черты каждой эпохи. Используйте их как учебное пособие, когда встречаете незнакомое произведение и хотите определить его период.

Шесть эпох одним взглядом. Держите эти черты в голове, когда слушаете, и обращайтесь к рабочим листам ниже, чтобы изучить каждую подробнее.

Бесплатные рабочие листы к этому уроку

• Орнаменты сквозь эпохи — как исполняется каждый распространённый орнаментальный знак в барочной, классицистической и романтической музыке, с аудио для каждого
• Сонатная форма — трёхчастный план с примерами Моцарта и Клементи и звуковой картой
• Менуэт соль-мажор изнутри — Менуэт Пецольда такт за тактом: двухчастная форма, двухголосная фактура, орнаменты
• Лунная соната Бетховена изнутри — фактура, форма и план занятий для одного из самых известных фортепианных произведений эпохи романтизма
• Соната до-мажор K. 545 Моцарта изнутри — сонатная форма и классицистическая фактура через одну из наиболее прозрачных частей Моцарта
• Бас Альберти — наиболее распространённый аккомпанирующий паттерн эпохи классицизма на фортепиано
• Генерал-бас — барочная практика импровизации аккордов над пронумерованной басовой линией
• Фактура — монофония, полифония и гомофония с аудиопримерами
• Лады — семь ладов, используемых в средневековой и ренессансной музыке, с аудио

Преподаватель Tissimo поможет вам поместить конкретное произведение в исторический контекст, указать на орнаменты, форму и фактуру в реальном времени и предложить путь занятий, основанный на том, что вы теперь знаете. Найдите его по адресу /music-teachers/instrument/piano.

Источники

• Grove Music Online — Gregorian Chant (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Hildegard of Bingen (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Machaut, Guillaume de (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Palestrina (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Josquin des Prez (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Baroque (Oxford University Press)
• Grove Music Online — Sonata form (Oxford University Press)
• Richard Taruskin, The Oxford History of Western Music, Т. 1–5 (Oxford University Press, 2005)