Instrumentos de la orquesta: las cuatro familias explicadas

Entra al auditorio antes de que empiece el concierto y escucharás uno de los sonidos más peculiares de la música: la orquesta afinando. Decenas de instrumentos tocan la nota la al mismo tiempo — y antes de que el director levante la batuta, ya puedes distinguir un violín de un oboe, una trompeta de un violonchelo. Esa diferencia de color se llama timbre, y surge de cómo cada instrumento produce el sonido. La orquesta agrupa sus instrumentos en cuatro familias basándose exactamente en eso: cuerdas, viento-madera, viento-metal y percusión. Esta guía te lleva por cada familia, sus miembros y cómo encajan todos en el escenario.

La orquesta y su disposición

Una orquesta sinfónica moderna suele tener entre 60 y 100 músicos. Se disponen en el escenario según un esquema estándar que se desarrolló durante los siglos XVIII y XIX, aunque los directores lo varían ocasionalmente. Vista desde el público, la sección de cuerdas se sitúa más cerca del frente, ocupando el centro y los lados en un amplio arco. Los instrumentos de viento-madera y viento-metal se ubican más atrás, elevados sobre plataformas para que su sonido se proyecte por encima de las cuerdas. La percusión ocupa el fondo del escenario.

Plano de asientos típico de una orquesta moderna. Las cuerdas ocupan el arco delantero; viento-madera y viento-metal se sitúan en el centro-fondo sobre plataformas elevadas; la percusión ancla la parte trasera.

El director se coloca en un pequeño podio frente al conjunto, siguiendo una partitura completa que muestra simultáneamente la parte de cada instrumento. El concertino — el primer violín principal — actúa como líder de la orquesta en el escenario. Afina al conjunto al inicio de cada ensayo y concierto, dando la nota la con el arco, habitualmente a partir del oboe principal.

Leer una partitura con múltiples pentagramas es una habilidad en sí misma: una partitura orquestal completa puede tener treinta pentagramas o más en una sola página, cada uno etiquetado con el instrumento y la transposición. Si quieres seguir la música en un concierto, empieza con una reducción para piano y ve subiendo hasta la partitura completa.

La familia de las cuerdas

Las cuerdas son la columna vertebral de la orquesta. En la mayoría de los conjuntos, los intérpretes de cuerda superan en número a todos los demás juntos. Una orquesta típica lleva alrededor de 16 primeros violines, 14 segundos violines, 12 violas, 10 violonchelos y 8 contrabajos, aunque estas cifras varían.

Las cuatro familias de un vistazo. Las cuerdas producen sonido arqueando o pulsando las cuerdas; el viento-madera, haciendo circular el aire por un bisel o a través de una lengüeta; el viento-metal, vibrando los labios contra la boquilla; la percusión, golpeando, agitando o raspando.

Cómo se produce el sonido. Un instrumento de cuerda produce su timbre poniendo una cuerda en vibración. Los intérpretes lo hacen de dos maneras: con el arco (pasando un arco de crin por la cuerda) o pulsando (pizzicato). La caja de resonancia del instrumento amplifica y moldea la vibración. Las cuerdas más largas y gruesas vibran más despacio y suenan más graves; las más cortas y delgadas vibran más rápido y suenan más agudas.

El violín es el instrumento de cuerda frotada más pequeño: aproximadamente de E3 a E7, aunque los intérpretes profesionales alcanzan notas aún más agudas. Lleva la melodía más que cualquier otro instrumento orquestal. La orquesta divide sus violines en primeros violines (melodía) y segundos violines (armonía y voces internas).

La viola es ligeramente más grande que el violín, afinada una quinta justa más baja (cuerda más grave en C3, ámbito cómodo hasta aproximadamente A6). Su timbre más oscuro se debe en parte a ser grande para su altura. Las violas utilizan la clave de do — la clave de do centrada en la tercera línea — para la mayor parte de su música, pasando a clave de sol para los pasajes agudos. Leer las claves de do en tercera y cuarta ofrece práctica con ambas.

El violonchelo suena de C2 a aproximadamente G5, usando clave de fa en el registro grave, clave de do en el medio y clave de sol para los pasajes agudos. Ese reto de cambio — mismo sonido, tres posiciones escritas distintas — es lo que aborda Cambio de clave: lectura para violonchelo. El timbre cálido y rico del violonchelo lo convierte en una de las grandes voces solistas de la orquesta; también ancla la línea de bajo.

El contrabajo es el instrumento de cuerda más grande y grave, afinado en cuartas con la cuerda más grave en E1 y un ámbito orquestal que se extiende hasta aproximadamente D4. Históricamente doblaba al violonchelo una octava más abajo; hoy lleva con frecuencia líneas independientes.

El arpa es el miembro pulsado de la familia de cuerdas. Sus 47 cuerdas abarcan casi siete octavas, de B0 a G7. Siete pedales, uno por cada nombre de nota, cada uno ajustado a bemol, natural o sostenido, permiten al arpista tocar en cualquier tonalidad. Arpa: estados de altura por pedal muestra cómo cada pedal corresponde a una letra y tres posiciones.

Ámbitos ejecutables aproximados de los cinco instrumentos de cuerda estándar. Los rangos son los habituales en la escritura orquestal; las técnicas solistas y avanzadas pueden ampliarlos.

La familia del viento-madera

Los instrumentos de viento-madera se sientan justo detrás de las cuerdas, generalmente en una fila de cuatro o cinco atriles. A pesar del nombre, no todo instrumento de viento-madera es de madera: las flautas son de metal, e incluso algunos clarinetes y oboes están fabricados en parte con materiales sintéticos. Lo que une a la familia es la forma en que se produce el sonido: el aire que circula a través o por encima del cuerpo del instrumento, puesto en vibración por un bisel o por una lengüeta.

La flauta (y su pariente, el flautín) produce sonido soplando aire a través de un orificio en la cabeza — sin lengüeta, un sonido de bisel. El ámbito de la flauta es aproximadamente de B3 a D7; el flautín suena una octava más agudo y es el instrumento más agudo de la orquesta estándar. Flauta: una misma digitación, dos Sol distintos muestra cómo una digitación produce notas separadas por una octava en registros diferentes.

El oboe usa una doble lengüeta — dos finas láminas de caña que vibran una contra la otra — dándole un timbre brillante y penetrante (ámbito aproximado de B3 a G6). Su sonido característico es la razón por la que el oboe da tradicionalmente la nota de afinación la. El corno inglés (cor anglais) es un pariente más grande, una quinta más grave: transpone, sonando una quinta justa por debajo de lo escrito.

El clarinete usa una lengüeta simple, una lámina que vibra contra la boquilla. El clarinete en si♭ estándar suena una segunda mayor más baja que lo escrito; el clarinete en la, una tercera menor más baja. La hoja de trabajo Altura escrita y altura real trabaja la conversión para ambos. El clarinete bajo extiende la familia hacia abajo una octava larga, y su quiebro de registro cerca del si4 escrito es el tema central de Clarinete bajo: dos caminos hacia si4.

El fagot usa una lengüeta doble grande y abarca de B♭1 a aproximadamente E5. Con frecuencia dobla la línea de bajo del violonchelo o toca contramelodías independientes. El contrafagot suena una octava más abajo, con la nota más grave de toda la orquesta en torno a B♭0. Ambos comparten la clave de do en cuarta con los violonchelos para los pasajes más agudos.

Cómo produce el sonido cada subgrupo de viento-madera. Los cuatro usan el aire como motor; la diferencia está en aquello sobre lo que actúa el aire: un bisel, una doble lengüeta o una lengüeta simple.

Cada sección de viento-madera lleva pares: flauta y flautín, oboe y corno inglés, clarinete y clarinete bajo, fagot y contrafagot. El instrumento más grande siempre suena más grave y oscuro que el pequeño.

La familia del viento-metal

Los instrumentos de viento-metal están siempre fabricados con tubería metálica, curvada y enrollada para que sean manejables de tamaño. Lo que todos comparten es la forma en que comienza el sonido: el intérprete vibra los labios contra una boquilla en forma de copa o embudo. Los labios actúan como una columna de aire vibrante, y el tubo del instrumento amplifica y moldea esa vibración. Ajustando la tensión de los labios y la velocidad del aire, el intérprete selecciona diferentes armónicos naturales — la serie de sobretonos por encima del fundamental del instrumento. Los instrumentistas de viento-metal aprenden su serie armónica del mismo modo que los de cuerda aprenden las posiciones.

La trompeta es el instrumento de viento-metal más agudo en uso orquestal habitual, con un ámbito de aproximadamente F♯3 a D6. Tres válvulas, cada una abre una porción adicional de tubo, permiten al intérprete alcanzar cualquier nota del registro. La trompeta orquestal estándar es un instrumento transpositor en si♭ (suena una segunda mayor más baja que lo escrito); la trompeta en do suena a altura real y es habitual en el repertorio orquestal.

La trompa tiene unos 3,65 metros de tubo enroscado en un círculo compacto, con un pabellón amplio en la parte posterior. Su timbre profundo y aterciopelado proviene en parte de la boquilla en forma de embudo y en parte de la mano del intérprete curvada dentro del pabellón. La trompa en fa transpone: las notas escritas suenan una quinta justa más baja. Su ámbito es aproximadamente de F2 a C6. La hoja de trabajo Altura escrita y altura real usa la trompa como uno de sus tres ejercicios de conversión.

El trombón usa una vara en lugar de válvulas — siete posiciones, cada una separada por un semitono — lo que permite al intérprete producir un glissando fluido que los instrumentos de válvulas no pueden conseguir. Ámbito: de E2 a aproximadamente B♭5. Se lee en clave de fa en la escritura orquestal, con clave de do en cuarta para los pasajes agudos.

La tuba es el bajo de la sección de viento-metal (ámbito aproximado de D1 a G4, con cuatro a seis válvulas) y sustituyó al oficleide durante el siglo XIX. Un solo músico lleva toda la voz grave de la sección de viento-metal.

Los cuatro principales instrumentos de viento-metal. Todos usan la vibración de los labios; la diferencia está en la forma de la boquilla, la longitud del tubo y si el intérprete usa válvulas o vara.

Instrumentos transpositores: altura escrita frente a altura real

Ya habrás visto la palabra "transpositor" varias veces. Vale la pena detenerse a explicarla, porque sorprende a los principiantes cuando miran una partitura orquestal completa por primera vez.

Un instrumento transpositor es aquel cuya parte escrita está anotada en una altura diferente a la que el público escucha realmente. La razón histórica es práctica: los intérpretes aprendían un conjunto estándar de digitaciones para su instrumento. Cuando el mismo instrumento se construía en distintos tamaños para cubrir diferentes tesituras, las digitaciones se mantenían iguales, pero la altura sonante cambiaba. Escribir cada parte de modo que un do escrito siempre usara la digitación más natural del instrumento facilitaba mucho la duplicación (tocar tanto un clarinete en si♭ como uno en la en la misma obra).

Las transposiciones más comunes en la orquesta son:

• Instrumentos en si♭ (clarinete en si♭, trompeta en si♭): la nota escrita suena una segunda mayor más baja
• Instrumentos en la (clarinete en la): la nota escrita suena una tercera menor más baja
• Instrumentos en fa (trompa en fa, corno inglés): la nota escrita suena una quinta justa más baja
• Instrumentos en mi♭ (saxofón alto en mi♭): la nota escrita suena una sexta mayor más baja

Cuando lees una partitura orquestal completa, todas las partes se muestran a altura real en algunas ediciones (una "partitura en do") y a altura transpuesta en otras. La partitura del director es hoy habitualmente en do, mientras que las partes individuales de los músicos siempre están en su propia tonalidad transpuesta. Si quieres practicar la conversión entre las dos, Altura escrita y altura real ofrece ejercicios para clarinete, trompa y saxofón. Y si quieres transponer una melodía a una nueva tonalidad desde cero — la otra cara de la misma habilidad — Transposición: llevar una melodía a una nueva tonalidad cubre tanto el método de intervalo como el de grado de la escala.

La familia de la percusión

Los instrumentos de percusión producen sonido al ser golpeados, agitados o raspados. La familia se divide en dos grupos: percusión de altura determinada (o afinada), donde cada instrumento toca notas específicas; y percusión de altura indeterminada, que aporta ritmo, ataque y color, pero no una nota melódica definida.

Los timbales (singular timbal) son los instrumentos de percusión más destacados de la orquesta. Cada tambor es un gran caldero de cobre con una membrana tensada, y el intérprete ajusta la afinación mediante un pedal que cambia la tensión de la membrana. Una configuración orquestal estándar tiene entre dos y cinco timbales, cada uno con un ámbito de aproximadamente una octava. Los timbales pueden tocar notas definidas y se escriben en un pentagrama de una sola línea con el nombre de la nota o en un pentagrama estándar de cinco líneas. La hoja de trabajo Timbales: dos tambores, un plan de altura muestra cómo el intérprete planifica qué tambor usar para cada nota.

La caja es el tambor orquestal no afinado más común. Su característico sonido cortante proviene de un juego de bordones metálicos tensados sobre el parche inferior, que vibran contra él cuando se golpea el tambor. Ejecuta redobles, golpes sueltos y figuras rítmicas intrincadas, aportando con frecuencia energía militar en marchas y fanfarrias.

El bombo es el tambor estándar más grande de la orquesta, que produce un golpe profundo y grave con escasa altura definida. Marca los clímax, subraya los acentos y — combinado con el plato — crea el clásico golpe orquestal.

Los platillos en la orquesta son con mayor frecuencia un par de grandes placas de bronce sostenidas por correas: el intérprete los golpea uno contra el otro en un golpe dramático o roza el borde de uno contra el otro para un brillo más suave. Un solo platillo suspendido también puede golpearse con una baqueta blanda para obtener una larga resonancia temblorosa.

El grupo de percusión de teclado de altura determinada incluye el xilófono (barras de madera golpeadas con mazas, seco y brillante), la marimba (barras de madera más grandes con tubos resonadores, más cálida y grave que el xilófono), el vibráfono (barras metálicas con discos giratorios que crean un vibrato) y el glockenspiel (pequeñas barras metálicas, el más agudo y brillante del grupo). Las notas escritas del glockenspiel suenan dos octavas más agudo que lo escrito, lo que lo convierte técnicamente en un instrumento transpositor, aunque los intérpretes suelen conocer su parte en altura escrita.

La celesta tiene el aspecto de un pequeño piano vertical y se toca desde un teclado, pero sus macillos golpean barras de acero afinadas en lugar de cuerdas. Su timbre puro y cristalino es famoso gracias a la "Danza del hada de azúcar" de Tchaikovsky en El cascanueces.

La percusión de altura determinada (izquierda) toca notas definidas; la de altura indeterminada (derecha) aporta ritmo, acento y color. Los dos grupos suelen aparecer en pentagramas separados en la partitura.

El equilibrio entre las familias

Una orquesta grande puede producir una dinámica enormemente variada, desde susurros casi inaudibles hasta murallas de sonido. El trabajo del director incluye dar forma constantemente a ese equilibrio, porque las familias no son iguales en volumen.

Los instrumentos de viento-metal son intrínsecamente sonoros. Una sola trompeta puede cubrir fácilmente a todas las cuerdas en una sala si el intérprete no tiene cuidado. Por eso la mayoría de las partes orquestales de viento-metal llevan marcas frecuentes de piano y pianissimo: el instrumento puede producir la nota a cualquier dinámica, pero el valor por defecto es fuerte. Los vientos-madera son más delicados, pero su sonido se impone gracias a sus timbres característicos: un oboe puede escucharse por encima de muchas cuerdas incluso a una dinámica moderada.

Las cuerdas son la familia más flexible de la orquesta. Pueden tocar en el pianissimo más suave, sostener una nota indefinidamente con un golpe de arco continuo, crecer hasta un fortissimo y producir una enorme variedad de articulaciones. La gran cantidad de instrumentistas de cuerda en una orquesta — con frecuencia más de 50 en un conjunto grande — también contribuye a equilibrar los instrumentos individualmente más silenciosos frente al viento-metal.

La percusión se sitúa en ambos extremos: la celesta y el glockenspiel apenas penetran en la textura, mientras que el golpe de bombo y platillos puede dominar toda la sala. Compositores y directores utilizan estos contrastes deliberadamente para dar forma a la arquitectura de una obra.

Una breve historia de la orquesta

La orquesta sinfónica moderna se desarrolló gradualmente. En el Barroco temprano (hacia 1600-1700), los conjuntos eran pequeños y su composición variaba — los instrumentos que hubiera disponibles. En la época de Haydn y Mozart, en la segunda mitad del siglo XVIII, la orquesta clásica había adoptado un núcleo reconocible hoy: cuerdas con dos flautas, dos oboes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas y timbales, con el clarinete añadido hacia el final del siglo.

Beethoven amplió la orquesta a principios del siglo XIX añadiendo trombones (en sus sinfonías Quinta y Sexta), un flautín y un contrafagot. El Romanticismo trajo un crecimiento mayor: Wagner escribió para una orquesta masiva de más de cien músicos en sus óperas, requiriendo hasta cuatro de cada viento-madera y seis u ocho trompas. Las orquestas modernas se han establecido en gran medida en el tamaño fijado a finales del siglo XIX, aunque los compositores del siglo XX, de Stravinsky a Messiaen y Ligeti, encontraron nuevos colores dentro de esa paleta estándar.

Hojas de trabajo gratuitas para esta lección

• Altura escrita y altura real — ejercicios de conversión entre notas escritas y sonantes para clarinete en si♭, trompa en fa y saxofón alto en mi♭
• Transposición: llevar una melodía a una nueva tonalidad — métodos de intervalo y grado de la escala para transponer cualquier melodía
• Leer las claves de do en tercera y cuarta — localizar el do central y leer las notas cercanas en las dos claves de do utilizadas por viola, violonchelo, fagot y trombón
• Cambio de clave: lectura para violonchelo — mantener la altura al cambiar entre claves de fa, do en cuarta y sol en medio de una línea
• Un momento, tres pentagramas — seguir una partitura de tres voces y localizar el mismo tiempo en cada pentagrama
• Timbales: dos tambores, un plan de altura — asignar notas a dos timbales a lo largo de un pasaje
• Arpa: estados de altura por pedal — relacionar cada pedal de pie con su nombre de nota y sus tres posiciones
• Clarinete bajo: dos caminos hacia si4 — navegar el quiebro de registro con dos rutas de digitación

La mejor manera de distinguir estas familias es escuchar grabaciones siguiendo una partitura. Una actuación en directo es aún mejor: sentado cerca del frente podrás escuchar la sección de cuerdas como una masa de arcos moviéndose juntos, y más cerca del fondo podrás seguir la conversación del viento-metal en segundo plano. Un profesor de música puede guiarte en la lectura de partituras y ayudarte a identificar las familias de instrumentos de oído, que es una de las habilidades auditivas más útiles que puede desarrollar un músico. Encuentra un profesor de música cerca de ti en Tissimo.

Fuentes

• Grove Music Online — Orchestra — Oxford Music Online
• The Instruments of the Orchestra — BBC Philharmonic
• Orchestral Instruments — The Philadelphia Orchestra
• How Musical Instruments Work — HyperPhysics, Georgia State University
• Instrument Ranges and Transpositions — Gardner Read, Thesaurus of Orchestral Devices (Pitman, 1953)
• The History of the Symphony Orchestra — Cambridge Companion to the Orchestra (Cambridge University Press, 2003)